Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli

Sinopsis:
“Nicky es una joven bruja de 13 años, en periodo de entrenamiento, que se divierte volando en su escoba junto a Jiji, un sabio gato negro. Según la tradición, todas las brujas de esa edad deben abandonar su hogar durante un año para saber valerse por sí mismas. Así, ella descubrirá lo que significa la responsabilidad, la independencia y la amistad. En su camino, Nicky y Jiji harán un nuevo amigo, Tombo, con el que vivirán extraordinarias aventuras”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las películas más particulares de Miyazaki, más íntima que épica y muy hermosa. A veces parece que el maestro japonés acabara de ver algunas de las mejores películas francesas de la historia como las de Éric Rohmer.

Dirección: Yoshiaki Kawajiri
Compañía: JVC, Madhouse, Movic, Toho

Sinopsis:
“Jubei es un noble guerrero que vaga por el país vendiendo su acero al mejor postor. Aunque su vida es relativamente sencilla, todo cambia cuando decide defender a una joven muchacha que está a punto de ser violada, lo que le enemista con un grupo de humanos de origen demoníaco. Ambos logran huir durante un tiempo, pero el gobierno les obliga a unir fuerzas para investigar la repentina muerte de todos los habitantes de una aldea. La investigación desvela una conspiración por parte de las fuerzas demoníacas que motivó su primer encuentro, así como la presencia de una figura perteneciente al pasado de Jubei que creía estar muerto. Cada nuevo paso de la investigación les sitúa en un punto más cercano a enfrentarse ante fuerzas de un poder inhumano”

¿Por qué hay que verla? Porque en algunos momentos recuerda al cine de samuráis del gran Akira Kurosawa, en una versión menos pictórica pero mucho más violenta.

Dirección: Shin’ichirō Watanabe
Compañía: Bandai Visual

Sinopsis:
“Marte, año 2071, poco antes del día de Halloween. Un camión cisterna lleno de productos químicos hace explosión en una de las calles más importantes de la ciudad, liberando un nuevo virus letal que acaba con la vida de cientos de personas. Las autoridades, temiendo un nuevo ataque aún más destructivo, fijan una recompensa millonaria para quien capture a los responsables. Mientras tanto, en la nave “Bebop”, Spike y su banda de cazadores de recompensas están aburridos y sin dinero, hasta que conocen la noticia de la recompensa…”

¿Por qué hay que verla? Porque ‘Cowboy Bebop’ es una de las mejores series de anime de Netflix y aunque el remake en acción en vivo no fuera como quisiéramos el original sigue siendo una parada obligada para los amantes del género.

Dirección: Paul King
Compañía: Amazon Prime Video

Crítica de ‘Paddington 2’ en Fotogramas:
“Lo que hace casi excepcional a ‘Paddington 2’ es la amable y sin estridencias manera en la que repasa, así como quien no quiere la cosa, todas las escuelas del arte cómico: Charles Chaplin (sí, la escena del reloj en la prisión es ‘Tiempos modernos’ y los uniformes de presidiario son Charlot al 100%), Buster Keaton (el clímax con los trenes), Laurel & Hardy (la limpieza de ventanas), Jacques Tati (el día a día en el barrio de los Brown), Jerry Lewis (las celdas de la penitenciaria como una casa de muñecas remitiendo a ‘El terror de las chicas’), el humor británico de la productora Ealing (el juez, la fuga, la escena en la catedral de San Pablo) y un largo etcétera”

¿Por qué hay que verla? Porque con un 100%, según Rotten Tomatoes ‘Paddington 2’ es mejor película que ‘Ciudadano Kane’ y la número uno de la historia. Tal vez no sea para tanto, pero la ternura que nos infunde Paddington no nos permite enfadarnos.

Dirección: Dorota Kobiela y Hugh Welchman
Compañía: BreakThru Films (et al)

Crítica de ‘Loving Vincent’ en Fotogramas:
“Más allá de las publicitadas proezas que su realización insumió (los 125 pintores que trabajaron en ella; el hecho de que se haya hecho con actores para, luego, volcar su trabajo en cuadros pintados al óleo) y de los numerosos galardones que lleva recaudados, lo cierto es que ‘Loving Vincent’, ante todo, un rendido homenaje al mundo creativo del loco de pelo rojo, parte de una hipótesis lejana a la animación al uso, aunque propia de cualquier film criminal”

¿Por qué hay que verla? Por cómo interioriza el estilo de Vincent Van Gogh y desarrolla una manera espectacular de hacer animación al óleo.

Dirección: Wes Anderson
Compañía: American Empirical Pictures

Crítica de ‘Isla de perros’ en Fotogramas:
“Cada marioneta de ‘Isla de Perros’ podría considerarse un ideograma; cada gesto, un personal giro caligráfico; cada emoción pura se corresponde con un trazo más o menos ligero, más o menos oscuro, de esa letra jeroglífica. Es significativo que, en este hermosísimo haiku, donde cada arqueo de ceja canino cuenta tanto como un trozo de sushi cocinado en stop-motion, algunos de los diálogos en japonés no estén ni doblados ni subtitulados. Para Wes Anderson, que se ha convertido en el cineasta humanista que siempre aspiró a ser, el lenguaje de la animación es el camino más corto hacia nuestros corazones. Con ‘Isla de Perros’, se ha convertido, definitivamente, en el mejor amigo del hombre”

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores películas de Wes Anderson y su incursión por la animación más ambiciosa hasta la fecha con un nivel de detalle obsesivo.

Dirección: Henry Selick
Compañía: Tim Burton Productions

Sinopsis:
“Jack Skellington, el popular rey Calabazas de la Ciudad de Halloween, supervisa las delicias macabras, los escalofrìos y las sorpresas que son enviadas al mundo real. Pero ahora se ha aburrido de tante rutina. Un día, accidentalmente, tropieza con una entrada a la Ciudad de la Navidad y se queda extasiado con los colores, los juguetes y la alegría que allí se vive. Vuelve a casa y, obsesionado con hacerse con el control de la maravillosa ciudad, convence a sus subditos para que le ayuden a suplantar a Santa Claus”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores películas de Navidad que existen y una de las pocas que puedes combinar con Halloween.

‘Pesadilla antes de Navidad’: 15 curiosidades de la película en su 25º aniversario

Dirección: Mamoru Oshii
Compañía: Production I.G, Bandai Visual, Kōdansha y Manga Entertainment

Sinopsis:
“Año 2029. En una enorme ciudad asiática, una mujer robot policía -cyborg- investiga las siniestras actividades de un misterioso hacker, un supercriminal que está invadiendo las autopistas de la información”

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las películas cyberpunks imprescindibles y más alucinante y atmosférica. Donde el tono de la película es el propio mensaje, el alma en la máquina-

Dirección: John Lasseter, Ash Brannon, Lee Unkrich
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Toy Story 2’ en Fotogramas:
“Irreprochable, tan compleja en su andamiaje como ligera en su apariencia, Toy Story 2 solo es inferior al original en la medida en que este creó de la nada su prodigioso universo de ficción y sus carismáticos pobladores. La secuela basa buena parte de su instantáneo encanto en el reconocimiento -que no en la reiteración-, pero consigue sumar a su elenco virtual un puñado de carismáticas nuevas presencias -en especial, el pack de compañeros countryiniwestern de Woody- e introducir estimulantes mejoras técnicas, como la que atañe a la representación de los personajes humanos: el villano coleccionista es, en este sentido, memorable”.

¿Por qué hay que verla? Porque fue el regreso de Buzz, Woody y compañía y comenzó la tradición de que las secuelas de ‘Toy Story’ fueran las mejores de Pixar.

Dirección: Andrew Adamson, Vicky Jenson
Compañía: DreamWorks Animation

Crítica de ‘Shrek’ en Fotogramas:
“Fue una de las mejores sorpresas de Cannes. Hacía años, muchos, que el festival no incluía en su Competición Oficial una película de dibujos animados, y todos nos preguntábamos qué hacía un ogro verde, eso es lo único que sabíamos del film antes de verlo, en medio de una selección tan exquisita. Pues bien, la respuesta la tuvimos el día de la proyección. El ogro verde estaba ahí para dos cosas: 1) alegrarnos la vida un rato, 2) demostrar que la belleza no siempre está donde esperamos encontrarla.”Shrek” es un cuento de hadas. Pero un cuento de hadas con las convenciones un tanto alteradas. Si normalmente el bueno suele ser el príncipe que salva a la princesa de las garras del ogro, en este caso los papeles se han cambiado y es el ogro verde el que salva a la princesa de caer en manos de un príncipe que no da la talla. Pero tampoco la princesa es precisamente una bella durmiente. Bajo su hermosa apariencia, la princesa Fiona es capaz de dar un buen eructo a quien se le ponga por delante. Eso sin olvidarnos del terrible dragón que la mantiene secuestrada y que oculta bajo su atemorizador aspecto un auténtico corazón rosa. Bueno, con esto espero no desvelar demasiado la trama, solo dar un atisbo de lo que cuenta este cuento escatológicamente fantástico al que recomiendo encarecidamente ver en versión original”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las pocas películas de animación ajenas a Disney que ha colado un título entre las 100 películas más taquilleras de la historia (no solo de dibujos). Y, qué demonios, cambió nuestra forma de ver los clásicos infantiles.

Dirección: Wes Anderson
Compañía: Twentieth Century Fox Animation

Crítica de ‘Fantástico Sr. Fox’ en Fotogramas:
“La incursión de Wes Anderson en la animación no es un capricho alejado de sus constantes estilísticas o sus obsesiones recurrentes: el cine de este autor empeñado en alcanzar la verdad emocional a través del artificio parece llegar aquí a su destino natural. Podría afirmarse que ha logrado su obra más luminosa, comunicativa, elocuente… y humana. No estamos ante una adaptación del cuento de Roald Dahl, sino ante algo más extraño: lo que ocurriría si una familia marca Anderson (con sus desconexiones, tensas negociaciones de pareja, erráticas gestiones de la comunicación paterno-filial y crueldades en sordina) se soñase bajo la forma de las animalizadas criaturas de Dahl”.

¿Por qué hay que verla? Porque no es tan ambiciosa ni épica ni perfeccionista como ‘Isla de perros’ pero tiene un corazón que no le cabe en pecho de algodón con que rellenan las marionetas. Es más íntima y una fábula trepidante y divertida, y una de las mejores películas que puedes ver en Amazon Prime Video.

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli / Nibariki

Sinopsis:
“Una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La Fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la Fortaleza Celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la Fortaleza Celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misteriosos lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo”.

¿Por qué hay que verla? Porque siendo una de las primeras películas de Miyazaki ya encontramos en ella algunos de los planos más increibles de Studio Ghibli (como el diseño del robot o la isla castillo) y las inolvidables frases de las películas de Ghibli como esta:
“No importa cuántas armas tengas, ni cuán potente pueda llegar a ser tu tecnología, el mundo no puede vivir sin amor”

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Hakuhodo / Nibariki / Tokuma Shoten / Topcraft

Sinopsis:
“En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores películas de Hayao Miyazaki que adaptaba su propio manga para llenar de acción, villanos y belleza el cine animado.

Dirección: Katsuhiro Ôtomo
Compañía: Akira Committee Company Ltd. / TMS Entertainment / Bandai

Sinopsis:
“Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada “la energía absoluta”. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido”.

¿Por qué hay que verla? Porque irrumpió entre las mejores películas de los 80 para marcar un punto y aparte y el anime no fue lo mismo después de ella. Ahora que Taika Waititi pretende hacer un remake de acción en vivo, solo nos queda cruzar los dedos y volver a verla.

Dirección: Satoshi Kon
Compañía: Rex Entertainment

Sinopsis:
“Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Debido al fracaso de ventas de sus discos, su mánager decide apartarla del grupo y darle un papel en una serie de televisión. Mima cae entonces en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando. Cuando la serie empieza a emitirse por televisión, Mima comprueba que la ficción se reproduce en su vida real: sueño y realidad se confunden hasta el punto de cuestionarse su propia identidad. El desarrollo de los acontecimientos y su propia intuición llevarán a la protagonista a un desenlace absolutamente inesperado…

¿Por qué hay que verla? Porque es una de esas películas que te dejan pensando después del final y que demuestran que la animación para adultos pueden tocar todos lo temas aprovechándose de la abstracción del género y la capacidad expresiva de la animación.

Las mejores películas de Satoshi Kon, el genio de la animación que se fue demasiado pronto

Dirección: Hideaki Anno y Kazuya Tsurumaki
Compañía: GAINAX

Sinopsis:
“Película de anime japonesa que sustituye a los dos últimos capítulos de la serie “Neon Genesis Evangelion”. Sigue la historia de esta realidad posapocalíptica en la que la Tierra es devastada por unos ‘Ángeles’, a los que la organización NERV busca enfrentarse con su ambicioso proyecto: robots gigantes conocidos como Evas”

¿Por qué hay que verla? Lo primero es responder a cómo hay que ver ‘Evangelion’, que incluye una serie y varias películas “remakes” y secuelas. Resuelto esto puedes imaginar que si esta historia de adolescentes, ángeles y robots es tan popular y obsesiona tanto a sus fans es porque ofrece algo más que acción. Efectivamente, es una de las mejores películas de anime de Netflix.

Dirección: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Compañía: 2.4.7. Films

Crítica de ‘Persépolis’ en Fotogramas:
“El género autobiográfico ha dado muchos y buenos resultados en la historia de la cultura moderna. Durante siglos, la autobiografía se limitaba a la narrativa. Luego llegó el cine, y los autores contaron su vida en imágenes. Por último ha sido el cómic el que ha incorporado esta forma de arreglo de cuentas con el mundo. Persépolis es el mejor ejemplo: los cómics de Marjane Satrapi han sido un best seller mundial gracias a la frescura de sus ideas, expuestas con sentido del humor y sobre todo del respeto hacia unas creencias tan honorables como cualquier otra si se mantienen en el terreno de lo individual. Era, por tanto, lógico que Persépolis y su protagonista Marjane acabaran en el cine. Mantener el blanco y negro del dibujo y la limpieza del trazo son un acierto. Pero hay algo que no funciona del todo y que hace que, a pesar de su encanto, Persépolis film no sea tan redondo como Persepolis cómic”.

¿Por qué hay que verla? Porque el dibujo naif de Satrapi ha sido el vehículo más idóneo para hablar de la historia de su país y, al llevar las viñetas a la pantalla ella misma, hizo de ‘Persépolis’ una de las mejores películas basadas en cómics. En general, y trascendiendo cualquier género cinematográfico, es una de las mejores películas feministas que pueden ver niños y mayores.

Dirección: Tomm Moore
Compañía: Big Farm / Cartoon Saloon / Digital Graphics

Sinopsis:
“La historia del viaje a casa del último Niño Foca. Después de la desaparición de su madre, Ben y Saoirse son enviados a vivir con su abuela a la ciudad. Cuando deciden volver a su casa junto al mar, su viaje se convierte en una carrera contra el tiempo a medida que se internan en un mundo que Ben sólo conoce a través de las leyendas que le narraba su madre. Pero éste no es un cuento para dormir; estas criaturas llevan en nuestro mundo demasiado tiempo. Ben pronto se da cuenta de que Saoirse será la clave para su supervivencia”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores películas de animación de Amazon Prime Video. La epopeya de unos seres mágicos que se retiran del mundo de los humanos para dar paso a una nueva era la hemos visto, por lo menos, desde el Cantar de los Nibelungos, pero nadie la ha dirigido como Tomm Moore con esa mezcla de delicadeza, épica de Ghibli e ideosincrasia irlandesa.

Dirección: Isao Takahata
Compañía: Studio Ghibli

Crítica de ‘El cuento de la princesa Kaguya’ en Fotogramas:
“Realizada por uno de los puntales del gran (y tal vez definitivamente fenecido) Studio Ghibli, Isao Takahata, el film ostenta un portentoso diseño animado, hecho de trazos sutiles, en el que el encuadre, en la mejor tradición histórica del imaginario chino-japonés, diluye sus límites con un ejemplar uso del vacío y una paleta cromática huidiza. Pero también una terrible historia sobre el inexorable paso del tiempo, con puntuales momentos cómicos, pero recorrida casi siempre por un hálito de pesadumbre que sirve para advertir sobre lo difícil que resulta esta apasionante aventura cotidiana que llamamos vida”

¿Por qué hay que verla? Porque la monumental última obra de Isao Takahata puede que sea la mejor película de Studio Ghibli o, por lo menos, la más libre en el dibujo y con una épica más desbordante. Olvídate de ‘Frozen’, olvida ‘Blancanieves’, esta y no ellas es la mejor película de princesas de la historia.

Dirección: Byron Howard, Rich Moore, Jared Bush
Compañía: Walt Disney Animation Studios

Crítica de ‘Zootrópolis’ en Fotogramas
“¿Veremos este año algún gag mejor que el de los perezosos? Quizá sí o quizá no, pero lo que es seguro es que esa secuencia es el listón a superar en ingenio, sorpresa y carcajadas de este año. Sirva este extracto de “Zootrópolis” como botón de muestra del nivel de excelencia cinematográfica (su tempo y sentido del lenguaje de la imagen es casi vanguardista) de algunos pasajes del film. Podrían ser otros, claro: los lobos contagiándose aullidos como bostezos, el barrio de los roedores a tamaño real (el juego de escalas de todo el film es magnífico), el club nudista para animales, el guiño a los Corleone… Y envolviendo el resplandor de estos momentos de comedia suprema hay una película astuta como un zorro y entrañable como una conejita que, precisamente, desmonta todos los estereotipos que tenemos sobre ciertas especies animales. O por pasar de lo concreto a lo general: “Zootrópolis” es un alegato contra la discriminación basada en criterios de raza, sexo y condición social. El miedo apriorístico al otro como talón de Aquiles de la convivencia y la civilización”.

¿Por qué hay que verla? Porque como diría el Perezoso de ‘Zootrópolis’…

Dirección: Pete Docter y Kemp Powers
Compañía: Pixar Animation Studios

Sinopsis:
“Joe Gardner, un profesor y músico de jazz, lleva buscando una oportunidad toda su vida y, cuando la encuentra, sufre un accidente que le trasporta a un lugar donde las almas se entrenan y estudian para… bueno, para ser almas. Acuden al conocido como Seminario Tú. Allí conocerá a 22, una de esas almas, que le enseñará el significado de la vida”

¿Por qué hay que verla? Porque entregado a conceptos abstractos Pixar todavía tiene tiempo para diseñar la Nueva York hiperrealista más luminosa de los últimos tiempos. Y el final de ‘Soul’ tiene un bonito mensaje.

10 películas para ver si te ha gustado ‘Soul

Dirección: Brad Bird
Compañía: Warner Bros. Pictures

Crítica de ‘El gigante de hierro’ en Fotogramas:

“Basada en un libro infantil escrito en 1968 por el poeta británico Ted Hughes, la película de Bird transubstancia el aliento poético de esa historia original sobre la amistad entre un niño y un robot en la campiña inglesa en una bienhumorada celebración del imaginario popular de la América de los 50: con ecos de portada de revista pulp, referencias al cine serie B de ciencia-ficción, guiños a la cultura beat y alusiones directas a la mitología de los comic-books, el cineasta construye un cuento moral de vocación adulta que, en sus mejores momentos, entronca con la extraña sensibilidad de Tim Burton: no es casual que Bird fuera también el director del corto Family Dog sobre diseños del autor de Mars Attacks! La larga escena en la que el niño protagonista intenta que la mano reptante del robot eluda las miradas de su madre y de un agente del FBI resume las nada frecuentes virtudes del film: un controladísimo -y nada inocente- candor, un perfecto timing y un matizado onirismo enfocado a subrayar que una película de animación siempre debería ser mucho más que la mera simulación dibujada del cine de imagen real.Lo mejor: la parodia del documental educativo sobre guerras nucleares. Lo peor: el convencional diseño del niño protagonista”.

¿Por qué hay que verla? Porque la película fracasó injustamente en taquilla y nunca es tarde para repararlo. Con los años se ha convertido en una de las películas nostálgicas favoritas de los millennials (en Amazon).

Dirección: Mamoru Hosoda
Compañía: Studio Chizu

Sinopsis:
“Cuando era poco más que una adolescente, Hana se enamoró de un Hombre Lobo. Puede parecer extraño, pero durante años fueron inmensamente felices, y tuvieron dos hijos: Yuki y Ame, que nacieron también con la capacidad de convertirse en lobos. Tras la repentina muerte de su compañero, Hana decide mudarse al campo para así criar a sus hijos en un entorno tranquilo, donde sus extraordinarias facultades no sean descubiertas. Sin embargo, al crecer, Yuki y Ame deberán decidir si quieren vivir como humanos o como lobos”

¿Por qué hay que verla? Porque Mamoru Hosoda poco a poco se va haciendo un nombre como uno de los mejores directores japoneses contemporáneos, sean o no de animación. Habitualmente se le denomina el “sucesor de Miyazaki” pero Hosoda tiene personalidad sobrada para no necesitar suceder a nadie.

Dirección: Tomm Moore y Ross Stewart
Compañía: Cartoon Saloon / Dentsu Inc / SIF309 Film & Music Productions.

Sinopsis: En un tiempo en que reinan la superstición y la magia, los lobos se consideran una fuerza demoníaca que eliminar. Robyn es una joven aprendiz que viaja junto a su padre hasta Irlanda para eliminar al último grupo de lobeznos que impide el progreso de la comunidad, pero la situación cambia cuando ella salva a Mebh y se adentra en el mundo de los “Wolfwalkers”, personas que pueden transformarse y comunicarse con aquelllas criaturas que su padre tiene que destruir

¿Por qué hay que verla? ‘Wolfwalkers’ fue una de las películas más infravaloradas de 2020 por las condiciones de su estreno, pero estuvo a punto (y merecía) haber ganado a Soul por el Oscar a la mejor película animada y es quizás sea la obra maestra de Cartoon Saloon.

Dirección: Naoko Yamada
Compañía: Kyoto Animation

Crítica de ‘A silent voice’ en Fotogramas:
“‘A Silent Voice’, como obra individual, no desmerece en absoluto ante los logros del otros “aspirantes” oficiosos a dicho título como Mamoru Hosoda, Makoto Shinkai o Sunao Katabuchi.Film de una densidad tanto a nivel narrativo como conceptual como en Occidente apenas somos capaces siquiera de intuir en una obra de animación dirigida al público adulto, estamos ante una película que trasciende en mucho su fácil etiquetado como “historia sobre acoso escolar”. Partiendo del no menos excelente “manga” del igual título, ‘A Silent Voice’ constituye una poliédrica exploración en el laberinto psicológico, social y emocional de la crueldad juvenil”

¿Por qué hay que verla? Porque es la demostración de que los animes no solo están protagonizados por la violancia y que también pueden hacer una película para educar sobre la discapacidad, por ejemplo, o un anime romántico para San Valentín.

Director: Haruo Sotozaki
Compañía: Ufotable

Sinopsis: Tanjiro Kamado y sus amigos del Demon Slayer Corps acompañan a Kyōjurō Rengoku, el Flame Hashira, para investigar una misteriosa serie de desapariciones que ocurren dentro de un tren aparentemente infinitamente largo. Poco saben que Enmu, la última de las Lunas Inferiores de los Doce Kizuki, también está a bordo y les ha preparado una trampa.

¿Por qué hay que verla? Porque es la secuela récord en Japón de una de las series de anime más exitosa de los últimos tiempos, basada en el mango de Koyoharu Gotōge.

Dirección: Gary Trousdale, Kirk Wise
Compañía: Walt Disney

Sinopsis: “Bella es una joven muchacha que vive en una pequeña aldea junto a su padre, un viejo loco idealista que no para de crear inútiles inventos. Un día, tratando de encontrar a su padre que se ha perdido en una tormenta, la joven llega hasta un extraño castillo habitado por objetos animados y por una Bestia uqe antes fue un príncipe embrujado por un hada”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores adaptaciones del cuento popular y ha impresionado tanto el imaginario popular, quizás por sus canciones, que fue el remake de live action de Disney de mayor éxito de todos.

25 cosas que debes saber sobre ‘La bella y la bestia’ en su 25 aniversario

Dirección: John Musker, Ron Clements
Compañía: Walt Disney Pictures

Sinopsis: “Un joven adolescente encuentra una vieja lámpara de aceite. Cuando la frota, de su interior sale un genio que promete concederle todos sus deseos. Entre los dos surge una entrañable amistad”.

¿Por qué hay que verla? Porque es un muundo ideal. Y Disney acertó haciendo del Yago de Otelo un loro traidor de indudable carisma, una de las cimas en lo que refiere a personajes de Disney.

Dirección: Brad Bird
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Los Increíbles’ en Fotogramas:
“‘Los Increíbles’ es, básicamente, el homenaje personal de Brad Bird al cine de espías y ciencia-ficción de finales de los años 50 y primeros 60. A los cómics de superhéroes, sí, pero también a las pelis de 007, Flint, Matt Helm y los demás. Naturalmente, a la animación y el diseño retrofuturista de esa época, evocando los mejores films Disney, la animación vanguardista de la UPA, los delirios de la Warner de Bob Clampett y Fritz Freleng, el estilo europeo de Bruno Bozzetto y los esfuerzos más locos de Hanna-Barbera. Todo ello, conjugado con un guión lleno de ingenio, personajes y detalles impagables (¡esa Edna Moda!), equidistantes de la saga Austin Powers y El superagente Picapiedra. Una delicia visual, pletórica de guiños, con estridente banda sonora al estilo de las big bands de Henry Mancini, John Barry, Martin Denny o Nelson Riddle, y un humor cómplice, familiar pero no ingenuo. Posiblemente, la mejor película Pixar hasta la fecha”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una versión de ‘Watchmen’ para toda la familia y tiene algunas de las escenas de acción más asombrosas de Pixar.

Los Increíbles’: 8 razones por las que se convirtió en un clásico

Dirección: Brad Bird
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Ratatouille’ en Fotogramas:
“En ‘Ratatouille’, un sórdido crítico gastronómico ejerce de villano, pero acaba proporcionando una valiosa reflexión final sobre su arte: el crítico progresa a través de sus críticas negativas, pero abraza el verdadero sentido de su profesión cuando se queda sin palabras, cuando una obra marca la abolición de sus códigos. No es esta una película tan heterodoxa como para que este crítico se quede sin palabras, pero el secreto de su genio podría emparentarse con el de la mejor cocina de vanguardia: el arte de conciliar la novedad (la inmaterialidad de lo digital) con la tradición (esa base de animación genuina que la productora Pixar garantiza en sus créditos finales). Y, por supuesto, Brad Bird aporta su particular toque de distinción a la ya proverbial excelencia técnica de la casa”.

¿Por qué hay que verla? Porque combina la acción, la gastronomía y la amistad con una de las reflexiones sobre la crítica (gastronómica pero en general) más agudas del cine. Y luego está Remy, uno de los mejores personajes de Pixar.

Por qué ‘Ratatouille’ nos sigue enamorando 10 años después.

Dirección: Pete Docter, Lee Unkrich, David Silverman
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Monstruos S.A.’ en Fotogramas:
“Resulta inevitable leer entre líneas (y por debajo de esa trama hilarante, frenética y perfectamente pautada) un comentario crepuscular sobre la progresiva evolución del claroscuro del cuento de hadas (y monstruos) hacia la aséptica e impostada blancura de la mitología de factura corporativa, siempre autoconsciente de su origen de fábrica, de su naturaleza de producto en serie. ‘Monstruos, S.A.’ no llega a ser una obra maestra porque pasa de puntillas sobre el espesor existencial de los trabajos del maestro Lasseter, pero proporciona al espectador con conocimiento de causa el inmenso placer de contemplar (de nuevo) una película de animación en 3D hecha realmente por animadores: es decir, estetas del trazo, la expresión y el movimiento. O, lo que es lo mismo, demiurgos del alma animada”.

¿Por qué hay que verla? Porque hasta entonces no se nos había ocurrido tener un monstruo de peluche.

Dirección: Adam Elliot
Compañía: Melodrama Pictures

Sinopsis: “Narra la larga amistad por correspondencia entre un cuarentón judío y obeso de Nueva York, y una niña australiana de ocho años que vive en los suburbios de Melbourne”.

¿Por qué hay que verla? Porque es un prodigio del stop-motion y una de las mejores y más excéntricas comedias australianas.

Dirección: Dean DeBlois, Chris Sanders
Compañía: DreamWorks Animation

Crítica de ‘Cómo entrenar a tu dragón’ en Fotogramas:
“En una etapa en que la animación clásica Disney tanteaba nuevos registros, Chris Sanders accedió al raro privilegio de materializar un proyecto muy personal: ‘Lilo & Stitch’ (2002), gratísima anomalía dentro del canon del estudio. Su camino hacia el segundo largometraje fue particularmente tortuoso. John Lasseter le despidió cuando llevaba años de trabajo invertido en la película (‘American Dog’) que, más tarde, se reformuló bajo el nombre de Bolt. Tras varios avatares, en Cómo entrenar a tu dragón, Sanders y su cómplice habitual Dean DeBlois añaden vitamina adolescente al universo imaginario de la escritora británica Cressida Cowell, forjan un bestiario irresistible y rematan la remarcable aventura con una nota insólita en una producción animada orientada (aunque no solo) al público infantil”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las mejores películas de vikingos de la historia, con una fantástica caracterización de personajes y una de las mejores películas para ver en familia en Netflix.

Dirección: Sergio Pablos
Compañía: The SPA Studios y Atresmedia Cine

Crítica de ‘Klaus’ en Fotogramas:
“‘Klaus’ nos cuenta cómo se construyó el mito de Santa Claus. El origen de la leyenda. Además, apela a esa figura que todos conocemos no solo para buscar la complicidad de los espectadores con una tradición que muchos compartimos en fechas navideñas, sino para extraer de su gesta los valores de esfuerzo, bondad y gratitud que brillan por su ausencia en un lugar abocado a la violencia entre vecinos. Y es que este pueblo norteño, que funciona a modo de alegoría de cualquier sociedad, se considera la capital de las disputas, guerras y rencores, de una batalla ancestral entre dos clanes (los Krum y los Ellingboe) que no quieren entenderse”

¿Por qué hay que verla? Porque demuestra lo buena que es la animación española con una fábula llena de detalles inspiradores.

‘Klaus’: Las 5 claves de la primera película de animación de Netflix.

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli

Crítica de ‘Mi vecino Totor0’ en Fotogramas:
“El tiempo no ha hecho mella en esta universal, eterna historia de iniciación, diálogo entre el individuo y la Naturaleza (o entre la inocencia y el misterio) que une en transparente armonía las dos direcciones posibles del arte animado: la invocación de lo imposible y la captura sutil de lo esencial, con especial atención por la elocuencia de lo minúsculo. En “Mi vecino Totoro” están los fundamentos de “Ponyo en el acantilado”, profundamente enraizados en el mito y barnizados por una profunda comprensión de lo humano”.

¿Por qué hay que verla? Porque le dio a Ghibli su emblemático logo y pocas películas para todos los públicos -da igual si son o no animadas- hablan con tanta profundidad y sensiblidad de la enfermedad.

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli

Crítica de ‘El castillo ambulante’ en Fotogramas:
“Al margen de su aportación artística, ‘El Castillo Ambulante’ engrandece aun más si cabe la figura de Hayao Miyazaki por un motivo: aun tratándose de una película menor o, en todo caso, inferior a sus grandes cotas cinematográficas, llámense estas ‘El viaje de Chihiro’, ‘La princesa Mononoke’ o ‘Mi vecino Totoro’, sus casi 120 minutos consiguen subirle los colores a buena parte de la producción animada del momento. Incluso con un rendimiento que se sitúa al 70 por ciento de sus posibilidades, el maestro no tiene rival ni competidores de peso. El análisis de ‘El Castillo Ambulante’ minimiza la decepción. Es un film disperso, ambicioso hasta la desmesura, derivativo en algunos trazos de su guión (basado en la novela homónima de la escritora inglesa Diana Wynne Jones) y, en ningún caso, tan redondo y pluscuamperfecto como los citados (¿e insuperables?) predecesores. Pero incluso teniendo en cuenta sus fallos e imprecisiones, el balance global de la película apunta muy alto y garantiza más de un soplo en el corazón a los aficionados al género”.

¿Por qué hay que verla? Porque además de todo lo que podemos esperar de un título de Ghibli es una de las mejores películas de ciencia ficción y fantasía para desconectar del mundo.

Dirección: Pete Docter, Ronnie Del Carmen
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Del revés’ en Fotogramas:
“Como su título sugiere, ‘Del revés’ viaja del interior (de la mente entendida como sucesión de parques temáticos al borde del colapso, en una idea que abrazaría el Hayao Miyazaki más lisérgico) al exterior (de cómo la mutación de las emociones modela el rito de paso entre la infancia y la edad adulta). Atendiendo al proceso por el cual la Alegría, tan vital como absolutista, se deja abrazar por la Tristeza, y reivindicando, de paso, un estado de ánimo que la Pixar ha patentado en el cine de animación USA. A saber, la melancolía”.

¿Por qué hay que verla? Porque es importante reconocer el valor de la tristeza. Además es una de las mejores películas animadas de los últimos 30 años.

Dirección: Andrew Stanton, Lee Unkrich
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Buscando a Nemo’ en Fotogramas:
“Todo en ‘Buscando a Nemo’ parece importante, frenético y fosforescente: desde el último caballito de mar hasta la primera burbuja de agua, Stanton y su equipo han cuidado los detalles visuales y argumentales de una película en la que cada plano parece fruto de mil decisiones previas. Ver Buscando a Nemo es como ver esos dibujos del ojo mágico que, tras una pantalla de un puntillismo molecular e ininteligible, esconden una pintura llena de matices. No es difícil imaginar cuál es el secreto del éxito de la Pixar. Sus argumentos apelan con cariño y contundencia tanto a las ansiedades de los adultos como a los miedos de los niños. ‘Buscando a Nemo’ es la sublimación de este método de trabajo: después de un prólogo de un dramatismo sorprendente para una película infantil, asistiremos a lo que ocurre cuando un padre sobreprotector, un pez payaso sin sentido del humor, le pierde la pista a su hijo el primer día de colegio”.

¿Por qué hay que verla? Porque tiene algunas de las mejores frases de Disney y Pixar y ayuda a superar los miedos. Y por Dory, claro, por Dory.

Dirección: Pete Docter, Bob Peterson
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Up’ en Fotogramas:
“‘Up’ es más de lo que anuncia, porque en ella hay mucho más de lo que se ve. Y lo que se ve ya es glorioso. Aunque exista la inercia de atribuir todas las bondades de Pixar al talento de John Lasseter, Pete Docter se confirma como el más excéntrico miembro de la compañía, amigo del guiño para conocedores: que el nombre del villano se parezca tanto al de Charles Mintz (que ejerció de puntual villano en la biografía de Walt Disney) no parece casual. Texturas, colores y diseños parecen competir en una escalada hacia el deslumbramiento, pero hay mucha sabiduría de animador aplicada al detalle: los movimientos del esquivo pájaro multicolor o el juego que propicia la justificación racional, aunque no por ello menos delirante, de convocar a un grupo de perros parlanchines son filigranas tan integradas en el conjunto que hay que pararse a respirar unos segundos para valorarlas como lo que realmente son: pura emanación del genio”.

¿Por qué hay que verla? Por el comienzo emotivo, al que le sigue una estupenda película de aventuras. Eso sí, advertimos que es una de las películas de esta lista que te harán llorar.

Dirección: Makoto Shinkai
Compañía: CoMix Wave Films

Crítica de ‘Your Name’ en Fotogramas:
“Makoto Shinkai admira, cómo no, a Hayao Miyazaki y ya buena parte de la crítica entendida en anime lo ha acogido como el principal sucesor del viejo maestro. Y con fundamento: el trazo de sus personajes es parecido, la descripción de paisajes y escenarios es afín a la poesía miyazakiana, así como el cuidado en los detalles del gesto cotidiano. Otra gran virtud, muy japonesa, que ya otorgaba intensidad a “Cinco centímetros por segundo” (2007) y reaparece en todo su esplendor de “Your name” es la recreación, fiel y realista, de la vida moderna, tanto urbana como rural, en planos de calles atiborradas de gente, trenes y metros, paseos en bicicleta, etc. Lo que flaquea en Shinkai es la espiritualidad, muy devaluada comparada con la de Miyazaki; el de la abuela es, en este sentido, un gran personaje, pero tiene poco peso en la trama. La belleza y pureza de sus imágenes, la línea clara y el latido romántico que bombea durante todo el metraje hasta desembocar en un desenlace particularmente adecuado para adolescentes constatan la presencia de un narrador de raza”.

¿Por qué hay que verla? Porque es una de las películas más desesperadamente ingenuas y románticas de esta lista. Es solo para soñadores empedernidos, pero una de las mejores películas de amor de Netflix.

Dirección: Lee Unkrich
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Toy Story 3’ en Fotogramas:
“Últimamente ha habido un fastidioso tópico asociado a las secuelas: sistemáticamente, se promociona cada entrega como más oscura que la anterior. En ‘Toy Story’ eso es, por fin, absolutamente cierto: los nuevos personajes (el oso Lotso, el galán Ken o un perturbador bebé gigante) no solo suman caracterizaciones de altura, sino también turbiedad y fracturas emocionales. La película nunca deja de divertirse desarticulando situaciones tipo y recursos enfáticos de nuestra memoria cinéfila, pero toca la estratosfera cuando imparte lecciones magistrales de elocuencia animada, a través de la latinización gestual de Buzz Lightyear o de la forzosa transformación del señor Patata en un sufrido señor Tortilla”.

¿Por qué hay que verla? Porque somos muchos los que creemos que 10 años después ‘Toy Story 3’ es la obra maestra de Pixar.

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli

Crítica de ‘La princesa Mononoke’ en Fotogramas:
“Memorable experiencia audiovisual, al tiempo que circunspecta e inteligente reflexión sobre la enfermiza tendencia del ser humano a destruir la belleza, “La princesa Mononoke”, más allá de confirmar a Miyazaki como el indiscutible dios de la animación japonesa de todos los tiempos, o como uno de los grandes artistas actuales del dibujo en movimiento (como Selick, Lasseter o Richard Williams), lo debería situar de una vez por todas, simplemente, como uno de los grandes cineastas vivos”.

¿Por qué hay que verla? Porque es la gran epopeya de Miyazaki y el mensaje ecologista de ‘La princesa Mononoke’ es más actual que nunca.

Dirección: Lee Unkrich y Adrián Molina
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘Coco’ en Fotogramas:
“Fastuoso canto de amor al folclore y la cultura popular mexicanos (incluso Cantinflas y El Santo dejan ver su osamenta), equilibra lo clásico (el diseño y la gestualidad del perro Dante) y lo innovador (esos alebrijes de lisérgico cromatismo), el arte y la técnica (el texturizado rostro de la anciana Coco), y acaba revelándose como un poderoso melodrama musical que culmina en una conmovedora escena íntima donde se celebra el poder de las canciones como grandes contenedores de memoria”

¿Por qué hay que verla? Porque convierte el Día de los Muertos mexicano en un parque de atracciones del que no querrás salir.

Dirección: John Lasseter
Compañía: Pixar Animation Studios

Sinopsis
“Los juguetes de Andy, un niño de 6 años, temen que haya llegado su hora y que un nuevo regalo de cumpleaños les sustituya en el corazón de su dueño. Woody, un vaquero que ha sido hasta ahora el juguete favorito de Andy, trata de tranquilizarlos hasta que aparece Buzz Lightyear, un héroe espacial dotado de todo tipo de avances tecnológicos. Woody es relegado a un segundo plano. Su constante rivalidad se transformará en una gran amistad cuando ambos se pierden en la ciudad sin saber cómo volver a casa”.

¿Por qué hay que verla? Porque todo comenzó aquí. La primera película de Pixar, el largometraje más ambicioso realizado por ordenador, la primera película de ‘Toy Story’… TODO.

9 curiosidades que no sabías sobre ‘Toy Story’

Dirección: Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman
Compañía: Sony Pictures / Marvel

Crítica de ‘Spider-Man: Un nuevo universo’ en Fotogramas:
“Su brillante animación sirve para que Miles Morales, un joven que hereda los poderes y responsabilidades de Spidey, actualice el personaje a ritmo de Post Malone mientras hace equipo con un variopinto equipo de víctimas de la mordedura de la araña venidos de diferentes planos existenciales. Una historieta con olor a cómic que no solo nos sumerge en el Spider-Verso, sino que prueba en salas de cine la convivencia de diferentes versiones de un mismo personaje, algo con lo que los lectores llevan años disfrutando. Y es que el mundo de los ya añorados Stan Lee y Steve Ditko da para mucho, se puede escapar de grandes sagas sinérgicas y que los enmascarados sigan haciendo vibrar a la audiencia”

¿Por qué hay que verla? Porque en todos los universos paralelos de las películas de Marvel no ha habido un solo Spider-Man equiparable. O mejor, cuatro.

Todo lo que sabemos de ‘Spider-Man: Un nuevo universo 2’

Dirección: Andrew Stanton
Compañía: Pixar Animation Studios

Crítica de ‘WALL-E’ en Fotogramas:
“Durante los primeros minutos de este film excepcional, este crítico se preguntó si Andrew Stanton no había sido demasiado radical: casi sin diálogos, ‘WALL·E’ bien podría considerarse un trabajo algo exigente con el espectador medio, lanzado al centro mismo de un universo en agonía donde las claves de la empatía y el reconocimiento han evolucionado hacia otras formas. El desconcierto no tarda en ser vencido: en el fondo, ‘WALL·E’ es espectáculo futuro, pero, también, esencia fundacional. El punto de encuentro entre Buster Keaton y el silicio: podría ser, a la vez, el último film de la Humanidad y el tren-que-llega-a-la-estación del porvenir del cine. ‘WALL·E’ es, en primer lugar, una delicada historia de amor entre un oxidado robot con nostalgia de la Humanidad y un sofisticado prodigio tecnológico con sex-appeal de iMac y ciertas capacidades para la destrucción masiva. También es una fábula optimista que rescata a la Humanidad de una antiutopía obesa, yacente y consumista. Y una carta de amor, plagada de guiños armónicamente engarzados, a la ciencia-ficción como género capaz de definirnos e hipnotizarnos”.

¿Por qué hay que verla? Porque es esa película de ciencia ficción concebido para niños que será un clásico del género en el futuro.

Dirección: Isao Takahata
Compañía: Studio Ghibli

Sinopsis
“Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Seita y Setsuko son hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después buscan a su madre, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia”.

¿Por qué hay que verla? Porque es tan triste que puede que después la incluyas en la lista de películas que no quieres volver a ver, pero el drama nunca está forzado ni evita que haya momentos de indudable belleza y humanidad.

Dirección: Rob Minkoff, Roger Allers
Compañía: Walt Disney Pictures

Sinopsis
“La sabana africana es el escenario en el que tienen lugar las aventuras de Simba, un pequeño león que es el heredero del trono. Sin embargo, al ser injustamente acusado por el malvado Scar de la muerte de su padre, se ve obligado a exiliarse. Durante su destierro, hará buenas amistades e intentará regresar para recuperar lo que legítimamente le corresponde”.

¿Por qué hay que verla? Porque, bueno, hakuna matata.

Dirección: Hayao Miyazaki
Compañía: Studio Ghibli

Crítica de ‘El viaje de Chihiro‘ en Fotogramas:
“Libérrima, intensa y deslumbrante, es una de esas películas que inventan su realidad a cada plano, tensando la capacidad de asombro del espectador, sometido a una experiencia equivalente a una sobredosis del Grandville más alucinatorio inyectada por un calígrafo oriental empeñado en reinventar el alfabeto. O, directamente, el lenguaje del universo. En “El viaje de Chihiro” confluyen todos los Miyazaki posibles (el intimista, el lúdico, el épico, el colosalista) para ofrecer una lección magistral (e ilustrada) sobre una de las direcciones posibles del cine: el séptimo arte como máquina para crear mundos posibles (e imposibles), motor de alucinación y poesía, un vehículo tan eficaz para el viaje fantástico como ese dragón feroz y agonizante que conduce a Chihiro a través de los cielos de la más fértil locura”.

¿Por qué hay que verla? Porque es la películal más equilibrada de Studio Ghibli y Miyazaki. Tiene la imaginación desbordante de ‘Nausicaa’ y ‘El castillo ambulante’, la épica de ‘La princesa Mononoke’ y la sensible historia de una chica protagonista como ‘Nicky, aprendiz de bruja’.