Cannes 2026 – Soudain, de Ryusuke Hamaguchi
Siempre hay que ser suspicaz, sobre todo cuando una película afirma con tanta convicción que hay razones para no pensar que el mundo se encuentra en un estado tan deplorable que ha llegado el punto en el que la vida en él parece insostenible. Con la misma serenidad y temple que ya había mostrado en sus películas anteriores, el japonés Ryusuke Hamaguchi sostiene esa tesis a través de Marie Lou Fontaine, la directora de una residencia en la que se ofrecen cuidados a adultos mayores que en su mayoría presentan un deterioro cognitivo importante y un progresista programa de cuidados llamado “Humanidad” que se topa con el escepticismo tanto del personal más antiguo de la residencia como de los inversionistas.
La actriz francesa Virginie Effira, célebre en el último lustro dentro del cine francés desde su abrasivo trabajo con Paul Verhoeven en Benedetta (2021), interpreta a Mary Lou con una ternura que en ningún momento se siente impostada o artificial, como si ella misma siguiese diligentemente los principios del programa que representa. Si la película logra apenas mantener su credibilidad como un testamento de esperanza, es en gran parte gracias al desempeño de Effira quien en ningún momento justifica la condescendencia con la que algunos otros personajes en la película piensan que actúa.
Hamaguchi parece estar consciente del reto que representa llevar una película como Soudain a audiencias que se han ahogado en el irreparable cinismo de los tiempos y cuya esperanza ha sido cooptada por la idea de que no existirá alternativa alguna a la gradual destrucción que vivimos. En El mal no existe, su película anterior, Hamaguchi estaba claramente en una línea más ambigua, una en la que se reconocían los vicios de un sistema cruel y voraz pero ante el que no existía una forma de confrontación clara o evidente. En Soudain, el cineasta parece haber encontrado la respuesta en dos postulados centrales: el cuidado y la disolución de la idea de normalidad.
La idea de un cuidado consciente y adaptado a cada persona amparado por el personaje de Mary Lou encuentra resonancia en un encuentro fortuito con un joven con autismo severo que es el nieto de un actor japonés que se encuentra en Francia presentando una obra de teatro sobre la desaparición de los manicomios y su reformulación en tiempos contemporáneos. Mary Lou entabla una relación de estrecha confianza e intimidad con la directora de la obra Mari Morisaki (Tao Okamoto), una directora de teatro que padece cáncer.
La película se concentra por un lado en el funcionamiento, los personajes y los problemas cotidianos de la residencia para adultos mayores con un tono que evoca la inmersión generada por los documentales de Frederick Wiseman (National Gallery, 2014; City Hall, 2021 o La Danse, 2002). Cada escena se labra como una pequeña pieza en sí misma, lo que permite que las más de tres horas de duración de la película no se perciban como tediosas o repetitivas.
Una de las grandes virtudes del cine de Hamaguchi, pensando en títulos como Asako I y II (2017) o la celebrada Drive my Car (2021) es precisamente la manera en la que cada escena de sus películas funciona como una pequeña pieza que tiene sentido por sí misma, haciendo gala de una destreza narrativa que es cada vez más rara, sobre todo cuando la mayoría de los cineastas no piensan en la unidad de un obra desde sus partes, sino como un todo dirigido por la narrativa, quizá por eso el cine de Hamaguchi se siente al mismo tiempo denso pero de una ligereza envidiable aun cuando se habla de temas de gran profundidad.
Como en sus películas anteriores, el diálogo tiene tanta importancia como la imagen que los sostiene. No resulta extraño considerando el apego que Hamaguchi tiene por la forma teatral y las maneras en las que habilmente lo adapta a la forma cinematográfica. Sus imágenes tienen un ritmo justo y paciente que va a contracorriente de la prisa y la eficiencia que se busca en casi todas las películas contemporáneas.
Hamaguchi va a contracorriente en muchos sentidos y hasta su inclusión en la competencia oficial de Cannes, tan dada al cinismo y la crueldad bajo la administración artística de Thierry Fremaux, se siente como una suerte de anomalía que ciertamente despierta sospechas. Un alegato anti-capitalista que defiende la vida presente en las condiciones más difíciles de la vejez celebrado ampliamente en un entorno obscenamente opulento, terriblemente superficial y lleno de personas famosas que temen ferozmente a envejecer.
La sinceridad de una película tan humanista como Soudain puede quedar en entredicho por muchos motivos, pero los méritos cinematográficos preceden cualquier sospecha y nos inclinan a pensar que existe sinceridad y convicciones íntegras en la supuesta “ingenuidad” de aquellos que aún quieren permanecer en este mundo, tal como dice Mari en una de las últimas escenas de la película.
En Soudain no se busca provocar el cambio social y político desde un activismo beligerante y fúrico sino desde la forma en la que interactuamos con otro ser humano, aceptando su unicidad en lugar de buscar su ajuste a las condiciones del medio en el que vive. Tenemos todo el derecho a dudar de las intenciones del cineasta, pero no de su talento y sobre todo, de que detrás de esa ingenuidad, hay una enorme sabiduría.
Lo que hace Hamaguchi es pedirle a la audiencia que no trate al mundo, tan deteriorado y cruel, como trata a la vejez, porque incluso en la agonía existe lugar para la dignidad, incluso si todo acaba de repente.
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